編舞choreography一詞的起源與演變

起源於芭蕾舞譜

1670 年法國國王路易十四任命他的舞蹈老師皮埃爾·波尚Pierre Beauchamps發明一種能在紙上記載舞蹈的方法,也就是「舞譜」,以代表芭蕾舞中的舞步的符號。在當時眾多舞譜系統中,拉烏爾‧奧古‧佛耶Raoul Auger Feuillet的系統最廣為使用,於1700年出版《書寫舞蹈的藝術》一書,並根據書名出現了choreography這個新名詞

佛耶不僅建立一套基礎原則以統整所有動作,他還教導人們的身體一種在空間裡的新定義,「舞蹈包含身體的站姿、舞步、降、升、彈跳、小跳、跌、滑、轉身、節奏、時間、隊形…等等。」
編舞的起源

編舞一詞的廣泛使用

十八世紀末舞譜不再流行,直到1920年代末期到1930年代初期「編舞choreography」一詞又再度以新的用法盛行起來,廣泛出現在美國的演出節目單、報章、舞評,以及本寧頓夏季舞蹈節的課程裡。
1935年,本寧頓開設了一個結合舞蹈創作練習、音樂分析、歷史與評論,以及舞臺技術的綜合課程General Workshop。

本寧頓區分為原創composition編舞choreography,主要學習從空間、時間與重力方面分析舞蹈的能力。

此外還開設「舞蹈創作練習Dance Composition」課,內容為:「對舞蹈創作的研究,包含姿勢間的連結以及群體在空間中的設計、創作的性質如方向、高低、節奏、動力等等。
另一門課為「基礎技巧Fundamental Techniques」:「一個關於舞蹈動作的基礎技巧研究,分為力道、空間與時間等因素,關於舞蹈動作的形式與意義等元素。」

這種將藝術的過程分為技巧、創作與大師舞碼repertoire,也就是由老師編舞再傳授給學員的課,成為後來美國舞蹈科系課程設計的基礎

編舞,這個詞包含了「學習舞蹈過程」與「創作舞蹈的過程」兩種

在十八世紀初,學舞直接從學一支舞開始。但到了 1930 年代,訓練一名舞者通常是經由學習某位特定編舞者所研發出的一套融合普世性動作原理之練習組合,大師們會提出一套特殊的原理作為舞蹈動作的基礎。

編舞家的社會責任與種族歧視

1930「編創理論choreographic theory」興盛的年代,由於第一次世界大戰所帶來的社會動盪,引發舞者重新思考他們作為藝術家的任務。在美國與德國的舞者們針對自己提出嚴肅的問題。「我的舞在表達什麼?」、「對我這樣的人以及我所生活的世界有意義麼?」、「如果不,那麼世上應該存有哪種舞蹈,以及如何組織它?」韓福瑞

不過新的編舞觀念,帶有歧視的美學標準,而對有色人種的藝術家產生了排他效應。黑人舞者尤其被要求推出「自然的natural」與「不需思索的spontaneous」動作。當時的黑人編舞家不被肯定,他們的作品被評為「抄襲的derivative」而非「原創性的」,而當這些編舞者凸顯非洲性元素時,舞評家又將他們視為「天生的表演者」,而不是「具有創意的藝術家」。

編舞者這個新詞的出現,合理化白人藝術家的工作,同時提昇了現代舞課比民族舞課崇高的地位。

1960 年代編舞一詞的再次演變

丹尼爾·納格林Daniel Nagrin在 1968 年聚集了多種族裔的團員,共同參與了一場即興演出時,稱自己為導演而非編舞者。

這種即興舞蹈表演引起討論,召集大家並引導集體藝術創作者該如何去定義,舞者是否為共同的創作者。因此,許多藝術家僅列出舞名,以及「由某某人推出」而非「由某某人編創」

透過結合舞者的編舞來形成舞作的方式,反映出藝術家的新身份,是「製作舞蹈」還是「製作新作品」?直到1972 年納格林舞團的節目單中寫的是「由丹尼爾·納格林導演」。

動作是舞蹈的元素,這種視動作為材料,以及視編舞者為編排這些材料者的觀點,使得舞蹈本身有了超越創作者意圖的內涵與意義;同時,舞蹈作為一項製作的成果也與其被執行的過程切割開來,於是編舞便獨立於編舞者以及舞者。

結論

對佛耶而言,舞蹈是在一定的空間以及時間內完成,舞蹈動作可以經由舞譜在紙上記錄下來。第一種編舞的模式,經由舞譜的建立,規範了身體與動作,以建構一套似乎可以衡量所有舉止的普世標準。
第二種對編舞概念的推動,雖然鞏固了個人創作者,卻排擠了群體合創的共同創作者。直到十八世紀的編舞概念將動作普世化、二十世紀舞蹈將情感普世化,將編舞視為一種個人表達全人類共同的議題或關懷的藝術

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